{"id":9025,"date":"2011-11-04T00:01:19","date_gmt":"2011-11-04T05:01:19","guid":{"rendered":"http:\/\/dvblog.org\/?p=9025"},"modified":"2011-11-03T12:35:37","modified_gmt":"2011-11-03T17:35:37","slug":"annie-abrahams-training-for-a-better-world","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/dvblog.org\/?p=9025","title":{"rendered":"Annie Abrahams –Training for a Better World<\/em>"},"content":{"rendered":"

\"angry<\/a>
\n Angry Women (Left Panel\/Clip) (2011, 188MB, 6:23 min)<\/a><\/p>\n

\"angry<\/a>
\n Angry Women (Right Panel\/Clip) (2011, 142MB, 6:33 min)<\/a><\/p>\n

Here are a couple of extracts by Annie Abrahams<\/a>, whose work we love here at DVblog, from her show Training For a Better World<\/em> which is currently running at the Centre R\u00e9gional d’Art Contemporain, Languedoc-Roussillon<\/a> in S\u00e8te until the first of January 2012.
\nI\u2019d seriously suggest that anyone physically able to do so should visit it \u2013 I travelled down from London in a day, stayed a night and then trekked back, all by train. Very pleasant it was too.<\/p>\n

Abraham\u2019s exhibition runs in tandem with another, of the works of French artist Catherine Gfeller; Gfeller on the ground floor and Abrahams on the first, and the formal similarities (though I think these are largely superficial, for reasons I\u2019ll enlarge upon soon) – the use of both moving and still images, text, an intervention at some level in the mechanics , the whys and wherefores, of how one presents these as art in a gallery setting – make it a stimulating pairing.<\/p>\n

Abraham\u2019s selection includes four pieces which are essentially (with some qualifications) video. They are constructed out of the telematics performance territory that she has so signally staked out in the last few years but, she insists, are not documentations of those performances. I think she\u2019s right to emphasise this distinction \u2013 although in one sense the pieces clearly do document things that happened in performance<\/em> they are ultimately video pieces made performatively<\/em> .<\/p>\n

The show doesn\u2019t consist of moving image work only. There are some prints, drawings and a minimalist installation consisting of a single photograph of a pair of married fire-fighters and a sound track of them reading (in an extraordinarily graceful and musical edit [and this is where in this piece any surface similarities to, say, Nauman find their limit. Grace. Grace and elegance throughout.]) a collaborative text on fear.<\/p>\n

The moving image and the other pieces occupy different ends of what is mostly a long thin exhibition space and are connected \u2013\u201ctied\u201d together by a \u201cribbon\u201d- a very long, three or four inch high, strip, of black highlighted, collaboratively generated white text \u2013on the theme of madness – running at floor level for some considerable distance.<\/p>\n

It\u2019s important to both acknowledge this distinctly bi-partite character and then to immediately forget about it, so intimate is the connection between the two halves.
\nDespite the disparate and apparently laissez-faire methodologies used in the generation of all the work and the huge level of trust in the participants evinced by Abrahams, one\u2019s main impression is of a body of work which forms a tight unity both stylistically and in its preoccupations. (And I\u2019d argue that the principal pre-occupation is the question of what it means, physically, socially, psychically, to be a human being<\/em>. And, further, that this high seriousness \u2013allied to a playfulness which veers from the childishly innocent to the Rabelaisian – is what ultimately gives this work its huge authority and significance and distinguishes it in kind from the technically well executed and often engaging work on the floor below.)<\/p>\n

The jewel in the crown of the show is the video installation \u2018Angry Women\u2019<\/em>, created by Abrahams and 22 other women of many nationalities (3 more , in fact, in total, 2 \u201cbackstage\u201d assistants, and a performer who opted for silence throughout) speaking about, acting out, demonstrating, reflecting upon, their anger and its causes and triggers, on webcams at their different individual locations and in their native tongues, with the images being sent to a 3X4 grid, in a format that Abrahams has made her own. Because of the limits of even current streaming technology it was necessary to conduct two distinct performances, separated, in fact, by an interval of two months. The length of each was determined by a protocol where a minute\u2019s silence by all participants signalled the end. This resulted in pieces of differing lengths the lack of synchronisation of which adds another layer of fragile grace to the final projections, projected large on adjacent walls around their common corner, with sound from the left image grid fed to the right speaker and vice versa.<\/p>\n

The piece occupies most of a large rectangular space at the CRAC (with the video \u2018Double Blind (love)\u2019<\/em>, a collaboration with Curt Cloninger<\/a> we\u2019ve savoured here before, in its performance incarnation, in the opposite corner and in its full and majestic 264 minute duration).<\/p>\n

The impact is visceral \u2013 we face what feels like a wave of humanity, not so much in numbers, although 23 women is impressive, at least to this man, but in the infinite malleability of face and hand, of gesture and expression and of how these things might occupy a frame. Sometimes that frame will resemble a Giacometti portrait, with the subject appearing to recede into what seems to be endlessly deep space. At others red lips or an open mouth, sensual and terrifying by turns, occupy the whole of the space \u2013 and furthermore each cell is constantly in flux (because these are living, breathing, unpredictable, human beings). There\u2019s something both of portraiture and of the dance at work here, and a kind of found poetry too (which the moving image work has in common with the collaborative texts at the other end of the exhibition). The combination of iron control, planning, foresight (the grid, the protocols) with the letting go and trust evident elsewhere \u2013 the phased lengths, the blank space for the person who didn\u2019t turn up, the open performative structure – makes for something of great richness.
\nAdditionally it\u2019s clear that those performers who had previous experience of the format were consciously playing with and against their fellows \u2013 gestures are mirrored, sounds echoed, the fiction of looking elsewhere – to the side, or above – of making contact in and across the grid itself, is impressively sustained.<\/p>\n

The angry women turn out to be at one and the same time very particular<\/em> – unique – women and women in general<\/em> too; the women in general<\/em> turn out to be human beings in general<\/em> (and general<\/em> en masse because each so particular<\/em>) and the human beings in general<\/em> turn out to live here, or there, now, in this, one, our only, very particular<\/em>, world – that mysterious, frightening and wonderful place. <\/p>\n

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***<\/p>\n

Voici quelques extraits par Annie Abrahams<\/a>, dont nous aimons le travail ici \u00e0 DVblog, de son exposition Training For a Better World<\/em> qui se d\u00e9roule actuellement au Centre R\u00e9gional d’Art Contemporain, Languedoc-Roussillon<\/a> \u00e0 S\u00e8te jusqu’au premier janvier 2012.
\nJe sugg\u00e8re s\u00e9rieusement de la visiter \u00e0 quiconque qui est effectivement en mesure d’y aller – j’ai voyag\u00e9 depuis Londres en une seule journ\u00e9e, je suis rest\u00e9 une nuit et j’ai fait le retour le lendemain, le tout par train. C’\u00e9tait tr\u00e8s agr\u00e9able.<\/p>\n

L’exposition d’Abrahams fonctionne en tandem avec une autre, des \u0153uvres de l’artiste fran\u00e7aise Catherine Gfeller; Gfeller au rez de chauss\u00e9e et Abrahams au premier \u00e9tage, et les similitudes formelles (bien que je pense qu’elles soient essentiellement superficiels, pour des raisons sur lesquelles je vais m’\u00e9tendre bient\u00f4t) – l’utilisation \u00e0 la fois de l’image fixe et de l’image en mouvement, du texte, l’intervention \u00e0 un certain niveau dans la m\u00e9canique, les tenants et aboutissants, de la fa\u00e7on dont on pr\u00e9sente celles ci en tant que de l’art dans le contexte d’une galerie – en font un jumelage stimulant.<\/p>\n

La s\u00e9lection d’Abrahams comprend quatre pi\u00e8ces qui sont essentiellement (avec certaines r\u00e9serves) vid\u00e9o. Elles sont construites \u00e0 partir du territoire de la performance t\u00e9l\u00e9matique qu’elle a jalonn\u00e9 si singuli\u00e8rement les derni\u00e8res ann\u00e9es, mais, elle insiste, ce ne sont pas des documentations de ces performances. Je pense qu’elle a raison de souligner cette distinction – bien que dans un sens les pi\u00e8ces documentent bel et bien ce qui est arriv\u00e9 dans la performance<\/em>, elles sont finalement des pi\u00e8ces vid\u00e9o r\u00e9alis\u00e9es performativement<\/em>. <\/p>\n

L’exposition ne consiste pas seulement d’images en mouvement. Il y a quelques imprim\u00e9es, des dessins et une installation minimaliste compos\u00e9 d’une seule photo d’un couple de pompiers mari\u00e9s et une piste sonore d’eux lisant (dans un montage extr\u00eamement gracieuse et musicale [et c’est l\u00e0 que dans cette pi\u00e8ce toute similitude de surface \u00e0, disons, Nauman trouve son limite. Grace. Gr\u00e2ce et de l’\u00e9l\u00e9gance tout au long.]) un texte collaborative sur la peur.<\/p>\n

L’image en mouvement et les autres pi\u00e8ces occupent des extr\u00e9mit\u00e9s diff\u00e9rents de ce qui est surtout un espace d’exposition longue et mince et sont reli\u00e9s – “li\u00e9es” par un “ruban” – une tr\u00e8s longue, trois ou quatre pouces de haut, bande, de texte blanc, g\u00e9n\u00e9r\u00e9 en collaboration, soulign\u00e9 en noir \u2013 sur le th\u00e8me de la folie \u2013 se d\u00e9roulant au niveau du sol sur une distance consid\u00e9rable.<\/p>\n

Il est important de reconna\u00eetre ce caract\u00e8re nettement bi-partite et ensuite de l’oublier imm\u00e9diatement, tellement intime est la connexion entre les deux moiti\u00e9s.
\nMalgr\u00e9 les m\u00e9thodologies disparates et apparemment laissez-faire utilis\u00e9es dans la production de tout le travail et l’\u00e9norme niveau de confiance aux participants manifest\u00e9 par Abrahams, la principale impression est celle d’un corps de travail qui forme une unit\u00e9 serr\u00e9e \u00e0 la fois stylistique et dans ses pr\u00e9occupations. (Et je dirais que la principale pr\u00e9occupation est la question de ce qu’il signifie, physiquement, socialement, psychologiquement, d’\u00eatre un \u00eatre humain<\/em>. Et, puis, que cette haute degr\u00e9 de s\u00e9rieux, alli\u00e9 \u00e0 un enjouement qui vire de l’innocence enfantine au rabelaisien \u2013 est, ce qui donne finalement ce travail son \u00e9norme autorit\u00e9 et importance et le distingue de sa nature du travail techniquement bien ex\u00e9cut\u00e9 et souvent engageant de l’\u00e9tage en dessous).<\/p>\n

Le joyau de la couronne de l’exposition est l’installation vid\u00e9o \u00abAngry Women\u00bb<\/em>, cr\u00e9\u00e9 par Abrahams et 22 autres femmes de plusieurs nationalit\u00e9s, (en fait, 3 de plus au total, 2 assistantes de “secours”, et une performeuse qui a choisi de rester silencieuse jusqu’\u00e0 la fin), parlant, actant, d\u00e9montrant, r\u00e9fl\u00e9chissant \u00e0, leur col\u00e8re et ses causes et d\u00e9clencheurs, devant des webcams dans leurs locations individuellement diff\u00e9rentes et dans leur langue maternelle, avec les images envoy\u00e9es \u00e0 une grille de 3X4, dans un format que Abrahams a fait le sien. En raison des limites des technologies de streaming, m\u00eames actuelles, il \u00e9tait n\u00e9cessaire d’effectuer deux performances distinctes, en fait s\u00e9par\u00e9es par une p\u00e9riode de deux mois. La longueur de chaque performance a \u00e9t\u00e9 d\u00e9termin\u00e9 par un protocole o\u00f9 une minute de silence par toutes les participantes marquait la fin. Il en r\u00e9sulte des pi\u00e8ces de longueurs diff\u00e9rentes dont le manque de synchronisation ajoute une autre couche de gr\u00e2ce fragile aux projections finales, projet\u00e9es en grand sur des murs adjacents autour de leur coin commun, avec le son de l’ image grill\u00e9e de gauche envoy\u00e9 au haut-parleur droit et vice versa.<\/p>\n

La pi\u00e8ce occupe la majeure partie d’un grand espace rectangulaire au CRAC (avec la vid\u00e9o \u00abDouble Blind (love)\u00bb<\/em>, une collaboration avec Curt Cloninger<\/a> que nous avons savour\u00e9 ici avant dans son incarnation performative, dans le coin oppos\u00e9, dans sa dur\u00e9e totale et majestueuse de 264 minutes).<\/p>\n

L’effet est visc\u00e9rale – nous faisons face \u00e0 ce qui ressemble \u00e0 une vague de humanit\u00e9, non pas tant en nombre, bien que 23 femmes est impressionnant, au moins \u00e0 cet homme, mais dans l’incessante mall\u00e9abilit\u00e9 du visage et des mains, du geste et de l’expression et de la fa\u00e7on dont ces choses peuvent occuper un cadre. Parfois, ce cadre ressemble \u00e0 un portrait de Giacometti, avec le sujet apparaissant reculer dans ce qui semble \u00eatre un espace profond infini. \u00c0 d’autres moments, des l\u00e8vres rouges ou une bouche ouverte, sensuel et terrifiant \u00e0 tour de r\u00f4le, occupent la totalit\u00e9 de l’espace – et en plus chaque cellule est constamment en mouvement (parce que ce sont des \u00eatres humains vivantes, respirantes, impr\u00e9visibles). Il y a quelque chose \u00e0 la fois du portrait et de la danse \u00e0 l’\u0153uvre ici, et aussi une sorte de po\u00e9sie trouv\u00e9e (ce que le travail d’image en mouvement a en commun avec les textes collaboratives \u00e0 l’autre bout de l’exposition). La combinaison du contr\u00f4le de fer, de la planification, de la pr\u00e9vision (la grille, les protocoles) avec le laisser-aller et la confiance manifeste ailleurs – les longueurs phas\u00e9es, l’espace noir pour la personne qui ne se pr\u00e9sente pas, la structure performative ouverte – produit quelque chose d’une grande richesse.
\nEn outre, il est clair que ces artistes qui ont eu une exp\u00e9rience ant\u00e9rieure du format ont jou\u00e9 sciemment avec et contre leurs partenaires – les gestes sont mises en miroir, des sons font \u00e9cho, la fiction de regarder ailleurs – sur le c\u00f4t\u00e9 ou au-dessus – la prise de contact dans et \u00e0 travers la grille lui-m\u00eame, est impressionnant et soutenue.<\/p>\n

Les femmes en col\u00e8re se r\u00e9v\u00e8lent \u00eatre tout \u00e0 la fois des femmes tr\u00e8s particulier<\/em> – unique – et des femmes en g\u00e9n\u00e9ral<\/em> aussi ; les femmes en g\u00e9n\u00e9ral<\/em> se r\u00e9v\u00e8lent \u00eatre des \u00eatres humains en g\u00e9n\u00e9ral<\/em> (et en g\u00e9n\u00e9ral<\/em> en masse parce que chacune si particuli\u00e8re<\/em>) et les \u00eatres humains en g\u00e9n\u00e9ral<\/em> s’av\u00e8rent vivre ici, ou l\u00e0, maintenant, dans ce, un, notre seul, tr\u00e8s particulier<\/em> monde – cet endroit myst\u00e9rieux, effrayant et merveilleux.<\/p>\n

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